Home, Farley-Arnedo

 

Algunas piezas musicales no necesitan estar dentro de un género o categoría comercial (que por demás suele funcionar para comercializar el producto, ubicarlo en una de tantas industrias creativas o simplemente para poner un tag anunciado por un signo de numeral). Algunas veces, solo están amparadas por la sombra de un poética, en este caso particular Home está bajo la sombra del jazz, pero es jazz? Mi intención al escribir este texto no es realizar un análisis exhaustivo para determinar si es jazz u otro género o técnica de composición, la intención real es hacer un análisis crítico musical, donde pienso relatar para el profano musical cuales son los elementos presentes en dicho álbum, cómo se presentan y qué lo hace una pieza valorable estéticamente, es decir expresivamente.

Para establecer un pequeño contexto mencionaré que Sam Farley1 es el responsable del área de Jazz en la universidad EAFIT, teniendo una gran incidencia en el terreno de lo académico, en la práctica musical activa (como compositor, interprete y gestor) y gran influencia para otros jóvenes músicos (jazzistas o no) en la ciudad. Antonio Arnedo2 a su vez es culpable de la nueva ola del jazz colombiano o a lo colombiano que con su álbum Travesía (1996) condensó gran parte de la búsqueda jazzística nacional en los ritmos colombianos, Arnedo al igual que Farley desarrolla una intensa labor académica en el conservatorio de la universidad Nacional de Colombia-sede Bogotá. Este disco tiene la complicidad del joven sello disquero Música Corriente, creado por músicos de la ciudad del Medellín; grabado por Juan Diego Galvis de El Alto estudio (socio de Música Corriente) en la casa de Farley.

El disco comienza con un track homónimo, en el cual se nota una cierta influencia del canto gospel, y protestantes, dándole un aire de nostalgia y alegría que sumerge a los materiales (melodía, ritmo, dinámica, textura y armonía) los cuales en su primera frase son presentados de manera homofónica, por el saxofón soprano en su registro medio y el piano, para dar paso a una segunda frase un poco más libre en el acompañamiento musical entre el saxo en su registro medio alto y el piano en su registro alto. La presentación es repetida y luego continúa un desarrollo improvisatorio muy acorde a la presentación armónica inicial, donde el virtuosismo tímbrico de Arnedo se hace presente en un juego constante con el piano, el cual busca generar ciertas texturas no tan características del jazz y más cercanas a la música para piano de primera parte del siglo XX (Debussy, Satie). Luego el piano recibe su sección improvisatoria en solitario, donde el desarrollo ya parte de un contrapunto “libre” (no atado a una formalización estilística barroca, sino a una herramienta donde las voces conversan entre ellas). La pieza termina con una última exposición de los temas iniciales, dándonos una cálida bienvenida y recordando también el principio de la palabra nostalgia en ingles: Home-sick.

Dibujo, se presenta como una sugerencia tal vez extramusical, pero al analizar un poco los contornos sonoros de la pieza, se puede ver una cierta relación entre el ostinato del piano presentado en la región baja y el motivo en el registro alto del saxo. Esta trama se complica conforme la pieza va sumando tensión y armando un tejido entre extremos de altura, su desarrollo depende más de un ideograma figurativo (a modo de partitura gráfica) que de una serie de indicaciones en un partitura tradicional. Arnedo nos muestra una faceta nueva en su interpretación del instrumento que antes ha buscado en músicas de diferentes geografías colombianas, adentrándonos en un discurso más introspectivo, más cercano al timbre y sus posibilidades expresivas. Para terminar el piano continua con su ostinato de mano izquierda, mientras el saxo juega con la presencia sonora entre silencios, escalas exóticas y breves arpegios.

Al comienzo del track tres se notará que el disco tenía una cadencia rítmica ubicada entre un tempo lento, situación que cambia con Bambusillo. Un pieza que involucra el ritmo de bambuco en forma de figura rítmica y patrón melódico/armónico, pero ubicado en un contexto de barra de compás (la manera como se organizan la acentuación musical dentro de una sección) completamente ajeno o mejor, adoptado por los interpretes. Este ejercicio conduce a unos múltiples desarrollos del motivo, que pareciera no tener una cadencia final, sugiriendo modulaciones armónicas sin resolución casi como un hipercromatismo, que podría cansar un poco al oyente. Este tipo de exploraciones sobre ritmos tradicionales colombianos, son terrenos que Arnedo ha trabajado con anterioridad y están presentes en toda su obra grabada, por su parte Farley ha presentado piezas con el proyecto Metropolizón donde este ejercicio de apropiarse de una figura rítmica típica y volverla un motivo rítmico ubicado en otra métrica a generado piezas como Sincopatos por mencionar un ejemplo. El tratamiento que se le da a los materiales típicos, permite hablar de apropiación y no de fusión, pues en este caso los compositores transformaron la raíz inicial para un propósito propio, al igual que han hecho muchos compositores: Mahler, Kodaly, Bartok, etc. Sugiriendo cierto aíre festivo al disco. En lo personal, no suelo disfrutar mucho de este tipo de piezas, pues suelen estar ubicadas en el terreno de la con-fusión típica colombiana, pero aquí encuentro un buen ejemplo de aprehender los valores musicales de una zona y componer de manera atípica.

Frágil retoma el tiempo lento predominante en el disco, sugiriendo más una tonalidad expresiva melancólica. Un ejercicio de tomar prestado del pasado (armónicamente) del presente (melódicamente) y del futuro (lo indeterminado, lo improvisado). La pieza comienza con la presentación del piano que abarca casi la mitad de su totalidad, para luego dar entrada en el minuto 2:36 muy sutilmente al saxofón con un ataque lento y prolongado (refiriéndome a como comienza con poco volumen su entrada, lo que usualmente llamamos en música crescendo) y una segunda voz que “curiosamente” (al ser una grabación en sesión y no haber edición o grabaciones posteriores) aparece en el minuto 2:44 y agregándole un contrapunto sutil y frágil, que crece y crece (a modo de armónico natural generado por el piano) como si no existiera un final previsto.

Dim (sugerencia de acorde disminuido) establece una cierta cercanía con el bossa nova presente en el jazz desde hace un buen tiempo. Su interpretación es apoyada con cierta secuencia armónica parecida a los trabajo de Piazzolla con el tango. Es el track donde la improvisación se vuelve más compleja pues es cada vez más autoreferencial: la música habla por la música en términos de la música; sugiriendo una autonomía de los materiales iniciales a todo nivel: ritmo, armonía, melodía, dinámica. Para retomar el dueto presenta de nuevo el motivo inicial de la pieza de una manera más tranquila y ligera, dándole ese aroma a café reconocible al paladar, necesario en algunas degustaciones un poco agitadas y turbulentas de música.

Aria o Noma es la pieza que concluye el camino recorrido lejos de casa, el cual fue temporalmente habitado en zonas montañosas, ciudades más pobladas, jardines cercanos, tiendas de barrio o una simple habitación de casa donde todo fue domésticamente intuido, grabado e interpretado. Una pieza concluyente a modo de posludio, fuerte en su carácter, donde el saxofón explota su registro alto con grandeza y el piano conversa a modo de contrapunto y homofonía los puntos culminante de la obra terminada, del deber bien logrado.

Home logra construir un lugar en un tiempo y espacio determinado a través de la música.

Para escuchar el disco pueden comprarlo en itunes, playstore o cualquiera de las tiendas digitales de su preferencia, Música Corriente lanzó un tiraje en Vinilo el cual puede ser comprado contactandolos por fuera de medellín o dentro de la ciudad en tiendas como Surco Records. También puede escucharlo en diferentes plataformas digitales: Spotify, Dezzer, itunes music; pero recomiendo que compre local y escuché música sin comerciales.

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